Analyse complète — Princesse Mononoké

Genèse et contexte de production

Sorti le 12 juillet 1997, Princesse Mononoké est l'aboutissement d'un projet que Miyazaki portait depuis près de vingt ans : les premières esquisses remontent à la fin des années 1970, sous la forme d'un conte plus enfantin mettant en scène une princesse et un monstre, très éloigné du récit final. Le scénario ne se stabilise réellement qu'au début des années 1990, quand Miyazaki décide d'y injecter une réflexion adulte sur la guerre, l'industrialisation et la destruction de la nature, sans jamais renoncer à l'exigence visuelle qui a fait la réputation du studio.

Avec un budget d'environ 2,35 milliards de yens — record absolu pour un film d'animation japonais à l'époque — et plus de 144 000 cellulos animés à la main, dont environ 80 000 rien que pour Miyazaki lui-même qui a retouché une part considérable des plans, la production s'étend sur trois ans. Le film devient dès sa sortie le plus gros succès de l'histoire du box-office japonais, toutes productions confondues, détrônant même E.T. — un record que seul Le Voyage de Chihiro effacera quatre ans plus tard.

Présenté hors-compétition au Festival de Cannes 1997, le film confirme la reconnaissance critique internationale naissante du studio. Sa sortie américaine, distribuée par Miramax sous l'égide de Harvey Weinstein, donne lieu à un épisode resté célèbre : le producteur Toshio Suzuki, refusant toute coupe du montage original, aurait fait parvenir à Weinstein un sabre japonais authentique accompagné d'un message laconique — "no cuts" — mettant fin aux velléités de raccourcir le métrage pour le marché américain.

Les kodama, esprits blancs de la forêt primordiale, indicateurs silencieux de sa santé.

Mise en scène et univers visuel

Miyazaki situe l'action à la période Muromachi (XIVe-XVIe siècle), un choix historique précis qui lui permet d'explorer les origines du conflit entre développement industriel — la fonderie de fer de Tatara-ba, ses soufflets actionnés à la force humaine, ses canons rudimentaires — et sanctuaires naturels encore intacts. L'équipe artistique a mené des recherches poussées sur les techniques de sidérurgie traditionnelles japonaises (tatara) et sur les communautés marginales de l'époque, lépreux et anciennes prostituées, pour ancrer le récit dans une réalité historique documentée plutôt que dans un folklore vague.

L'animation recourt massivement à des décors peints à la main d'une densité inhabituelle, tandis que certaines séquences — notamment la marche nocturne du Dieu de la Nuit et les déplacements du Dieu-Cerf à travers la forêt — intègrent parmi les toutes premières utilisations d'images de synthèse du studio, employées avec parcimonie pour renforcer l'étrangeté surnaturelle sans jamais rompre la cohérence du trait dessiné à la main.

La violence du film — décapitations suggérées, membres tranchés, sang giclant à l'écran — est inédite dans la filmographie de Miyazaki et participe pleinement du refus de tout manichéisme confortable : aucun camp n'est épargné par les conséquences du conflit, ni la forêt, ni les humains de Tatara-ba. Ce choix a valu au film une classification restrictive dans plusieurs pays occidentaux, une première pour une œuvre du studio jusque-là associé au cinéma familial.

Tatara-ba, la ville-forge de Dame Eboshi, moteur industriel et refuge social à la fois.

Musique et contexte historique

Joe Hisaishi compose ici l'une de ses partitions les plus amples, mêlant chœurs, percussions évoquant les tambours de guerre et mélodies traditionnelles japonaises jouées au koto et au shakuhachi, pour épouser l'ampleur épique du récit sans jamais sombrer dans le grandiloquent. Le thème principal, "Mononoke Hime", interprété par le contre-ténor Yoshikazu Mera, reste l'un des morceaux les plus souvent repris en concert de la filmographie du compositeur.

Le choix de la période Muromachi n'est pas anodin : Miyazaki y voit une charnière historique où le Japon bascule d'une société encore proche de ses croyances animistes vers une modernité guerrière et industrielle qui annonce, en germe, les bouleversements écologiques du XXe siècle qu'il entend commenter par ce détour historique.

Réception et postérité

Salué comme l'un des sommets du cinéma d'animation adulte, Princesse Mononoké a considérablement élargi la réputation internationale du Studio Ghibli, notamment lors de sa sortie américaine dont les dialogues anglais ont été adaptés par l'écrivain Neil Gaiman à la demande de Miramax. Le film reste régulièrement cité comme un jalon dans l'histoire de l'animation écologique, précurseur d'un cinéma refusant de désigner un camp du bien absolu face à un camp du mal absolu.

Plus de vingt-cinq ans après sa sortie, le film continue d'être étudié comme une œuvre pionnière dans la représentation nuancée des conflits environnementaux au cinéma, souvent comparée aux productions occidentales ultérieures qui adopteront un discours écologique bien plus appuyé et moins ambivalent moralement.